Götz Diergarten & Robert Klümpen – Schöne Grüße!

Allen Arbeiten von Götz Diergarten, der – ganz in der Tradition seiner Lehrer Bernd und Hilla Becher – seriell, in breit angelegten Werkgruppen arbeitet und seine Fotografien gerne als Typologien zusammenstellt, liegt das Interesse zugrunde, das „Besondere im Banalen“ sichtbar zu machen und für eine neue Wahrnehmung zu sensibilisieren. Seine Motive entstammen dem architektonischen Alltag: Häuser, Strandhäuschen oder U-Bahn-Stationen. Dabei zeigt Diergarten die Gebäude selten in ihrer Gesamtheit. Er konzentriert sich vielmehr auf einzelne Details wie Fassaden, Fenster oder andere Gebäudeelemente, die aus ihrem Zusammenhang herausgelöst erscheinen. Ein weiterer zentraler Aspekt ist, dass er durchweg in Farbe fotografiert. Die Farbigkeit ist von entscheidender Bedeutung und verleiht den Fotografien mit ihrer Affinität zu unbeachteten Orten und unspektakulären Motiven eine malerische Qualität, jedoch ohne ins Pittoreske abzugleiten.

Robert Klümpen setzt sich in seinem Werk intensiv mit dem Verhältnis von Gegenständlichkeit und Abstraktion auseinander. Frühere Arbeiten zeigen von künstlichem Licht illuminierte, nächtliche Alltagsszenen – Kneipen, Kioske, Rummelplätze, Bauwagen oder Haltestellen –, oft mit nur wenigen, dunklen Pinselstrichen angedeutet. Im Zentrum der darauffolgenden Werkreihe stehen abstrakte Bilder: exzentrische Spielarten der Farbfeldmalerei, eingefasst mit gemalten Rahmen oder Umrandungen, die nicht nur das Bild als solches definieren, sondern darüber hinaus auch seine Flächigkeit betonen. All seine Gemälde verwickelt er in eine eloquente Auseinandersetzung mit malerischen Techniken und Ausdrucksweisen. Auch die Geschichte der Kunst, mit der sich Klümpen hervorragend auskennt, durchzieht sein Werk, das insgesamt geprägt ist von einem reflektierten, zwischen Hommage und Neuerfindung oszillierendem Spiel mit Zitaten und Verweisen. Die Bildtitel des Künstlers bilden dabei häufig eine zusätzliche Ebene mit oftmals humorvollem Unterton.

Ein gutes Beispiel hierfür sind seine seit 2022 entstehenden, leuchtend farbigen Blumensträuße. Damit greift Klümpen ein klassisches, seit Jahrhunderten wichtiges Sujet in der Kunst auf – vom barocken Vanitas-Gemälde bis hin zur Moderne – und entwickelt daraus seine ganz eigene zeitgenössische Interpretation.
Im vorderen Raum der Galerie sind mehrere dieser Arbeiten zu sehen, dicht gehängt, wie in einem kleinen Bildersalon: Tulpen, Sonnenblumen und andere Blumen, in schwungvollen Bewegungen filigran arrangiert in Vasen, Krügen oder Glasgefäßen. Diese floralen Kompositionen entstehen durch Übermalung älterer abstrakter Werke und erzeugen so einen spannungsreichen Kontrast zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion. Statt einer naturalistischen Wiedergabe reduziert Klümpen die Formen und arbeitet mit leuchtenden Farbflächen, vorwiegend aufgetragen mit Acryl, Öl und Ölpastell.
Die Arbeiten, die teilweise direkt am Objekt vor einem Blumenstrauß entstehen, sind reich an kunstgeschichtlichen Verweisen. Mit der alten Vorstellung von der „Vergänglichkeit“ haben diese von Farbe strotzenden Blüten allerdings nichts zu tun. Vielmehr greift Klümpen zurück auf die Tradition des modernen Blumenstilllebens. Seine Malereien rufen Erinnerungen wach an Blumenbilder, die sich kollektiv in unser Gedächtnis eingeschrieben haben oder die uns aus der Kunstgeschichte vertraut erscheinen. Eine Sonnenblume genügt, um Assoziationen an van Goghs in flammendem Gelb gemalte, ikonische Sonnenblumen aufkommen zu lassen. In anderen Bildern nimmt Klümpen Bezug auf die ornamental verdichteten Blüten Odilon Redons oder die farbgewaltigen Kompositionen David Hockneys, um nur einige zu nennen.
Klümpens Blumenbilder sind dekorativ, ohne sich im Dekorativen zu erschöpfen. Unter ihrer farbintensiven Oberfläche entfaltet sich vielmehr ein dichtes Geflecht aus Zitaten und Verweisen und feinem, subtilem Humor, das sich erst auf den zweiten Blick erschließt. Auch das Schnittblumen-Motiv, das die Einladungskarte ziert, folgt dieser Strategie: Die Farbfotografie – ein privates Foto des Künstlers – erinnert an Postkarten aus den 1960er Jahren. Die Blumen wirken künstlich, fast steril, zugleich sind sie in ihrer nuancierten Farbigkeit auch schön. Das klassische Sujet des Blumenstilllebens wird in eine kitschige Postkartenästhetik überführt, versehen mit der Aufschrift „Schöne Grüße!“.

Florale Motive finden sich auch in den neuen Fotoarbeiten Götz Diergartens, den seit 2020 entstehenden Serien „inside-out“ und „outside-in“. Diergarten fotografiert hier seine Motive durch verschiedene Arten von halbtransparentem Glas, entweder mit der Kamera im Innenraum mit Blick nach außen oder umgekehrt. Dabei experimentiert er mit unterschiedlichen Glasstrukturen, etwa geripptem, geriffeltem, gewelltem oder ornamentiertem Glas. Die zwischen Kamera und Motiv liegende Glasschicht wirkt wie ein Filter, der die dahinterliegende Welt in abstrakte Kompositionen aus amorphen, weich fließenden Farbfeldern verwandelt.
Zu den in der Ausstellung gezeigten Arbeiten gehört zum einen ein großformatiger Leuchtkasten, der eine in weiches Licht getauchte, gelbe Blume hinter einem gewellten Glas nur erahnen lässt. Das Gegenständliche löst sich auf und wird malerisch überformt. Daneben sind mehrere kleinere Formate auf Aluminiumträgern zu sehen, etwa ein Papierblumenstrauß, aufgenommen durch ein geriffeltes Glas. Das einfallende Licht wird so gestreut, dass sich die Blüten in eine reliefartige, orange-rot-pinke Struktur auflösen, die an malerische Gesten erinnern.